No sé si son los mejores, los más vendidos o los más descargados, sólo sé, que de los 153 discos que escuché este año, estos 37 son los que me quitaron el sueño. Los podía escuchar -en su totalidad- una y otra vez, cosa que no pasó con los demás.
Los links te llevan a ver/escuchar uno de los singles del álbum en YouTube, a escuchar el disco en el Bandcamp de la banda, o a leer la reseña que le escribí en su momento. Disfrútalos.
La historia del hip hop y sobre todo del rap de los 90's, no se puede contar sin este álbum. Hoy cumple exactamente dos décadas de haber llegado al mundo.
Semanas después de que el Wu-Tang Clan soltara su debut y de esa manera reactivara el rap en la east coast, un tipo delgado de Long Beach también haría acto de presencia. Dicho personaje respondía al nombre de Calvin Cordozar Broadus, Jr., Snoop Doggy Dogg era su nickname. No era para nada un desconocido, ya lo habíamos escuchado en un par de temas acompañado de su maestro y mentor Dr. Dre, creador del G-funk. Juntos perfeccionaron el sonido del debut de Dre:The Chronic, y lo llevaron a otro nivel, llevando al rap de la west coast hasta la cima del mainstream.
Doggystyle es brillante en todos los sentidos, y parte de su grandeza es debido a la sencillez y honestidad de las letras. Frecuentemente es tachado y denigrado por contener exceso de violencia, misoginia y demás, sin embargo, Snoopy no intenta ser líder de opinión, ni ejemplo a seguir, simplemente nos habla de su vida y experiencias, y nos las narra de la única manera en que lo puede hacer: con jerga callejera (slang), malas palabras, prejuicios, etc. En todo momento su flow es devastador y enajenante.
Desde la portada -dibujo de Joe Cool- sabes de que va el álbum, cruda y fuerte realidad mezclada con mucho humor. Doggystyle contiene una cantidad enorme de interludios, skits y colaboraciones, entre las que destacan las de Warren G, Dr. Dre y Nate Dogg. Después del track que abre el disco, sigue G Funk Intro, en el que The Lady of Rage nos escupe rimas que no te permiten respirar. Gin And Juice contiene el coro más perfecto en la historia del rap, sin mayor objetivo que narrarnos su día a día, Snoop y Dre nos cantan: Rollin' down the street, smoking 'endo', sipping gin and juice. Laid back, (with my mind on my money and my money on my mind).Tha Shiznit con todo y su intro W Balls, es una maravilla, una vez que el bajo y la flauta te atrapan, jamás te sueltan. Lodi Dodi es es un cover al La Di Da Di de Dough E. Fresh, con unos leves cambios en la letra. Murder Was The Case se merecería un post propio, no sólo por lo grandioso de la canción sino por todo lo que derivó de ella. Murder... nos narra -en primer persona- la muerte y resurrección de un pandillero, después de vender su alma. La reelevancia viene porque mientras Snoop Dogg grababa el álbum, en agosto, fue acusado de homicidio, lo que disparó las ventas del álbum en cuanto salió. Los medios amarillistas lo vendían como 'el primer disco de gangsta que realmente narraba sobre lo que hacía su autor: matar gente'. Al siguiente año salió un mini documental sobre dicha canción, Snoop fue absuelto de los cargos en 1996. Serial Killer con sólo leer el título y escuchar el pequeño intro: Six millions ways to die, choose one!, sabes de que trata. Who I Am (What's My Name) y su irresistible sonido, se han convertido en los grandes culpables de la fama de Snoopy. For All My Niggaz & Bitches sigue la misma fórmula hipnótica, beats funk mezclados con una batería de rock duro y rimas tarareables. Ain't No Fun (If The hommies Can't Have None) es una rola grotesca, envuelta en una melodía pegajosa. Los coros -cantados por Nate Dogg- te engañan y hacen creer que estas frente a una canción tierna y sensual, pero la letra y rimas son todo lo contrario. Basta escuchar las primeras líneas que escupe Snoop: Guess who's back in tha motherfuckin' house, with a fat dick for your motherfuckin' mouth! Ya casi para cerrar llega Gz and Hustlas, con Betta Ask Somebody como intro, en éste, un maestro pregunta a sus alumnos: ¿qué quieren ser de grandes?, después de preguntar a un par de niños, le toca el turno a un pequeño que se hace llamar Snoop, éste responde: I wanna be a motherfucking hustla, ya better ask somebody! Con esa frase Doggy Dogg me compró por siempre.
Doggystyle rompió récords de ventas, en su momento fue el disco debut más vendido, con casi un millón de copias a la primer semana de su salida. Es un álbum tan grande que ni sus creadores han podido superar o igualar su calidad, la mayoría de sus colaboradores jamás volvieron a trabajar en un disco tan importante, ¿dónde está ahora The Lady of Rage?, por ejemplo.
Los videos en el orden en que salieron, se ven horrible, pues no los han remasterizado.
Este sí se ve chido...
Los 50 minutos que cambiaron al rap, para siempre...
Hace dos décadas, este era el disco más esperado (sólo debajo del In Utero de Nirvana). Las expectativas estaban al tope, la otra banda más grande de Seattle -y del mundo- regresaba con un nuevo trabajo, mucho mejor producido que el anterior y con la firme convicción de no querer agradar, ni quedar bien con nadie.
Poca gente lo sabe pero su álbum debut Ten vendió más unidades que el Nevermind de Nirvana, ante este hecho, la prensa quiso crear una rivalidad entre ambas bandas. Así como en los sesentas lo hicieron con The Beatles y The Rolling Stones, de hecho a los Pearl Jam se les conocía bajo el ridículo seudónimo de Los Rolling Stones de Seattle. Sin embargo sus historias se entrelazan, e In Utero y Vs. tienen un sin fin de coincidencias, más de las que ambas bandas desearían.
La alineación que grabó este trabajo es la mejor que ha tenido el grupo. Eddie Vedder (vocales y guitarra en un par de temas), Stone Gossard (guitarra), Mike McCready (guitarra), Jeff Ament (bajo) y Dave Abbruzzese (batería), éste sería el primero de muchos reemplazos que tendrían en los tambores. Fue el primer álbum producido por Brendan O'Brien (les produciría muchos más). O'Brien fue elegido pues Ament y Gossard estaban enamorados de su trabajo con The Black Crowes, y porque mezcló el primer álbum de Brad, la banda alterna de Gossard. Adam Kasper aparece en los créditos como asistente igual que en In Utero.
O'Brien le dio al disco un sonido más duro, crudo y conciso que el que tiene su antecesor, cuando escuchas Vs., lo primero que te viene a la mente -como fan- es: 'ojalá Even Flow, Jeremy y Why Go Home hubieran sonado así'. La portada es una foto en blanco y negro de unas ovejas, tomada por Ament, que según él, simboliza como se sentía la banda respecto a la industria musical. Al igual que In Utero, Vs. cambió de nombre dos veces, primero iba a llamarse Five Against One, por la letra de Animal y porque ese era su sentimiento ante los medios, después iba a llamarse Pearl Jam, y finalmente, optaron por nombrarlo Vs., título que refleja perfectamente las letras y música que se puede encontrar en el disco. Vedder también ha dicho que se llama así, como homenaje al álbum del mismo nombre de sus ídolos Mission Of Burma. A raíz de que el cambio de nombre fue de último momento, existen varias ediciones que contienen el primer título, y otras en las que sólo aparece el nombre de la banda, hoy son todo un objeto de culto y colección.
Otra coincidencia con Nirvana, era su falta de entusiasmo hacia el hecho de ser superestrellas, Cobain tomó la decisión de grabar un disco poco audible para las masas, 'aparentemente' los Pearl Jam no hicieron algo tan radical, pero tampoco se quedaron con las manos cruzadas. Y entonces decidieron no volver a grabar videos para la promoción de sus discos, si Daughter tuviera video, hubieran vendido el triple de copias. También dejaron de ofrecer entrevistas, de asistir a entregas de premios y programas de tv.
El contenido de Vs. es muy ecléctico, nos lleva al éxtasis del mejor rock que has escuchado con Go (composición de Abbruzzese), que sin lugar a dudas contiene el intro más perfecto que he escuchado en la vida, además de un solo impresionante. Encuentras brutalidad y voces desgarradoras en Blood y Leash, un poco de funk en los puentes de Animal y Blood. Folk rock en Daughter y Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town; percusiones hipnóticas en W.M.A., y más funk en la impecable línea de bajo de Rats. Mención aparte merecen las letras, algunas introspectivas y bellas, otras llenas de ira y hastío, de todas ellas sobresale la de Rearviewmirror. Los cambios de ritmo -y estilo- no siempre son placenteros, como cuando termina Daughter y comienza Glorified G, o cuando termina W.M.A. y empieza Blood. Para cerrar te topas con una canción bella e indescriptible que se hace llamar Indifference. Vs. salió a la venta el 19 de octubre, y a pesar de no contar con videos promocionales para el 26 ya había vendido 950, 378 copias en los Estados Unidos, imponiendo un nuevo récord de ventas. Para finales de 1993, oficialmente, Pearl Jam era la banda más grande del mundo...
El video que aparece en PJTwenty, sobre como armaron Daughter (originalmente llamada Brother).
Era junio de 1996, después de la muerte de Cobain, había dejado de escuchar música. Terminaban los playoffs de la NBA, y comenzaban las finales. Los dos equipos que competían por el campeonato eran los Toros de Chicago, líderados por Michael Jordan y los Supersonics de Seattle, comandados por Shawn Kemp. A Kemp le hicieron un pequeño promo con Go de fondo. Lo que sentí al volver a oír esas guitarras y gritos, no lo puedo describir con palabras. Volví a escuchar Vs., volví a escuchar discos, y como siempre, todo se fue acomodando por sí solo, para que muchos años después me encuentre aquí, escribiendo sobre el segundo disco de Pearl Jam en un blog.
Al escribir cualquier texto, siempre tengo en la mente la famosa frase del arquitecto Ludwig Mies van der Rohe:'Menos es más', misma regla que es ejercida en el rock primigenio y el punk. Algunas veces por más que lo intento no puedo llevarla a cabo (les pude haber escrito otras cinco cuartillas sobre el In Utero de Nirvana, sin pedo alguno), pero siempre la tengo en mente, en mi forma de vestir, de comer y de consumir, espero poderla cumplir en este post.
Se trata del vigésimo aniversario del quinto disco de los Melvins, King Buzzo (Roger 'Buzz' Osbourne), guitarra y voz, es el único miembro estable desde que se creó la banda en 1983, Dale Crover, batería, es el segundo miembro más viejo, entró en el '84. La banda ha cambiado muchas veces de bajista, venían de grabar el Lysol, con Joe Preston en el bajo, y en Houdini a pesar de que los créditos marcan a Lori Black 'Lorax' (hija de Shirley Temple) a cargo de las cuatro cuerdas, el Buzz en innumerables ocasiones ha dicho que el disco lo grabaron él y Dale, sin importar lo que digan los créditos.
Cuando grabaron Houdini, la banda ya tenía diez años en activo, éste es su disco más comercial, conocido y accesible, en parte por el boom del rock alternativo, y en parte porque la mitad de los tracks están producidos por Kurt Cobain, además de que toca en un par de temas, la otra mitad los produjo la banda, la portada es de Frank Kozik y la mezcla corre a cargo de GGGarth. Cuando Nirvana se encontraba en pleno apogeo, Cobain - para sentirse un poco menos culpable por haberse vuelto mainstream - durante sus entrevistas y conciertos, siempre mencionaba o recomendaba a alguna banda under, a la par de tocar covers de éstas y/o usar playeras con sus logos, por ejemplo: sus covers a The Vaselines en Incesticide, a Fang en el Reading del '92, cuando invitó a los hermanos Kirkwood a tocar en su Unplugged y cuando posaba para fotos portando playeras de Flipper o Daniel Johnston. Pero con los Melvins lo unía un lazo más fuerte, era amigo de Buzz y de Dale, éste último grabó con Nirvana un puñado de temas, además de que Kurt en sus inicios en la música, había sido roadie de los Melvins, por eso aquí, el 'paro' fue mucho más personal.
Hooch y Night Goat tienen apabullantes líneas de bajo, fuertes y espesas, riffs ensordecedores y una batería densa que parece que va a explotar tus bocinas en cualquier momento; Lizzy encaja a la perfección con ese momento histórico de la música popular, con esa cosa a la que nombraron 'gronch', y por ello tuvo una alta rotación en MTV; sigue su cover a Kiss, Goin' Blind, que nos sirve como preámbulo para el mejor track del disco, y uno de los mejores en la historia del rock; Honey Bucket, la maestría y complejidad con la que Dale toca la batería en el intro te deja boquiabierto, y sumado a ello las guitarras, más bien, guitarrotas, que sin duda alguna son de las cosas más excitantes que he escuchado en mi vida. Hag Me nos trae más densidad y riffs ensordecedores, un contraste total a Honey Bucket que es pura velocidad; le siguen Set Me Straight y Sky Pup, ésta última 'aparentemente' sólo tiene bajo, batería y voz, aunque en realidad, poco se le entinde a los balbuceos de Buzz; Joan of Arc y Teet nos regresan al principio, a esos Melvins que tanto amamos, sonidos lentos, aletargados y sumamente oscuros, el final de Teet siempre me ha lastimado los oídos; Copache, Pearl Bomb y Spread Eagle Beagle llegan para cerrar el disco, esta banda siempre está reinventando e innovando su sonido, experimentando todo el tiempo; Copache son dos minutos de mucha música y pocas letras; Pearl Bomb con un loop que parece el teclear de una máquina de escribir, tiene una bassline increíble, no tiene guitarras, y Osborne prácticamente susurra la letra; Spread... es un track de puras baterías, una de ellas tocada por Cobain, él produjo: Hooch, Set Me Straight, Sky Pup, Joan of Arc, Pearl Bomb y Spread..., además toca la guitarra en Sky... y las percusiones en Hooch.
A Houdini le vendría muy bien una remasterización, es un álbum tan perfecto que en el 2006 lo grabaron en vivo, sin audiencia, con Trevor Dunn en el bajo y Lustmord como invitado en Spread..., salió bajo el nombre de A Live History of Gluttony and Lust.Actualmente el grupo está grabando un disco para festejar sus primeros treinta años de vida, con su baterista original: Mike Dillard, y Dale como bajista, llevará el grandioso nombre de Tres Cabrones, pero ese es otro cantar.
Los videos/singles...
El disco completo:
Si quieren saber más sobre el trabajo de Frank Kozik: FrankKozikArtist
El tercer - y último - disco de estudio de Nirvana cumple veinte años el día de hoy, en su disquera se lo celebrarán dentro de una semana, el 24 de septiembre, para empalmarlo con el aniversario del Nevermind, y lo hará reeditando el álbun en varias presentaciones, pero fue hace veinte años cuando el disco llegó a las tiendas del Reino Unido.
Nirvana seguía siendo un trío - lo dejarían de ser en unos meses - con Kurt Cobain en la guitarra y voz, Krist Novoselic en el bajo y Dave Grohl en la batería, y tenían dos opciones cuando grabaron este álbum: grabar un Nevermind 2 o hacer algo total o parcialmente distinto, la banda optó por la segunda opción, y con ello se ganó el respeto de cientos de fans, incluyéndome. La 'mejor banda del mundo' - como muchos medios los habían bautizado - estaba de regreso, basta recalcar que aquellaba banda, dos años atrás, cambió las tedencias musicales, gracias a ella la vida fue más fácil para muchas bandas debutantes, y para muchas que no habían tenído la suerte de su lado. Bandas que cinco años antes no hubieran conseguido contartos ni llenar estadios (como Stone Temple Pilots), la tuvieron fácil, así mismo grupos respetables como Melvins pudieron vivir algo que se les había negado por años, a pesar de su indiscutible calidad y talento.
La salida del disco no fue sencilla, sin duda éste era el más esperado del '93. Las únicas muestras de como podría sonar, eran el sencillo Oh, The Guilt que salió en un split junto a Puss de The Jesus Lizard, y una claboración de Cobain con William S. Burroughs, en ésta última sólo hay un feedback acompañando la narración de Burroughs, mientras que en la primera si nos sirve como adelanto de In Utero, no sólo por la crudeza y fuerza de la canción, sino también porque tanto ésta como Puss fueron grabadas por Steve Albini (a él siempre le ha cagado el término 'productor'). Kurt buscó a Albini para grabar su nuevo disco, emocionado, pues sabía de la trayectoria de Albini, sobre todo de su trabajo con los Pixies, banda a la que Cobain tenía un gran respeto. La compañía discográfica lo anuncio con platillo y bombo, para ese momento el álbum llevaba por nombre I Hate Myself And I Want To Die, Cobain insistía en que el título sólo era una borma, pero un año después nos demostraría que no era así. Se metieron al estudio y lo grabaron en dos semanas, cuando salieron el nombre del álbum había cambiado, ahora se llamada Verse Chorus Verse, como sátira a la composición clásica de las canciones pop, cuando se lo mostraron a la disquera empezó una guerra entre los ejecutivos, la banda y Albini. La gente de la disquera decía que era un trabajo muy crudo y anticomercial, Nirvana - en especial Kurt y Krist - decían que Albini había grabado mal los graves y que la voz sonaba muy bajo, por su lado Steve al enterarse que el disco se lo darían a Scott Litt para que lo 'limpiara', decidió deslindarse del producto final. Litt asistido por el aún joven y desconocido Adam Kasper le dió una pulida al bajo, subió la voz de Kurt y remezcló los dos posibles singles: Heart-Shaped Box y All Apologies. Para este momento el disco de nuevo había cambiado de nombre, ahora se titularía: In Utero. Es una gran paradoja que los dos tracks homónimos a los nombres anteriores del álbum, hayan quedado fuera de éste.
Las diferencias entre Nevermind y este disco no son tan radicales pero tampoco sutiles, el ejemplo más claro es el primer track de ambos: Smells Like Teen Spirit y Serve The Servants, mientras en la primera Cobain intentaba componer la canción pop perfecta, y sin querer creo un himno, en la segunda justamente aspiraba lo contario, en Smells Like... el verso esta cantado muy bajo y tranquilo, mientras que los coros son gritados, en cambio en Serve The... pasa lo contrario, los versos son gritos desgarradores y el estribillo está casi susurrado. Otra gran diferencia es la cantidad de tomas de cada canción, y el hecho de que en este trabajo no hay 'doblaje' de voz.
Los tres miembros de la banda se lucen en su instrumento. En In Utero le juegan al punk hardcore con tourettes, al rock duro y sin concesiones en Scentless Aprentice y Milk It, y desde las primeras líneas de Serve The Servants: Teenage angst has paid off well, now I'm bored and old, ya sabes de que va esto, sabes que estás frente al disco más introspectivo de Kurt Cobain, I tried hard to have a father, but instead I had a dad, nos dice en el tercer verso, alguna vez - mucho antes de la tragedia de abril del '94 - William Burrougs dijo que cuando escuchó las letras de In Utero, sabía que Kurt estaba muerto, que era un cadáver andante. Dumb es de una belleza dolorosa, la música es bonita y pegajosa, las letras, no: I'm not like them, but I can pretend, the sun is gone, but I have a light,
The day is done, I'm having fun, I think I'm dumb, or maybe just happy.Rape Me es un pinche escupitajo a sus falsos fans, a esos que esperaban otro Smells Like, con una base rítmica muy similar les grita: '¡viólame!', asustando a más de un mocho, la canción fue censurada en la rado y tiendas. En Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle podemos escuchar la mejor voz que grabó en su vida, rasposa, sucia y seria, desde Johnny Rotten gritando en Anarchy In The UK no había escuchado una voz tan bonita, dedicada a la actriz Frances Farmer, y por la cual, él y Courtney decidieron llamar así a su única hija. Very Ape contiene un riff tan grandioso que el Liam Howlett (Prodigy) decidió tomarlo para su Voodoo People. Aunque Radio Friendly Unit Shifter siempre ha sido tachada de ser una rola de relleno, es una de las pocas donde se escucha el bajo a la perfección, y sus feedbacks y ruidos del final siempre me han parecido un homenaje a sus héroes y amigos Sonic Youth. Lo mejor para el final, All Apologies y su coro: All in all is all we are, funciona como epitafio no sólo de Cobain y su banda, sino de toda la cultura pop norteamericana de los 90's. The dream is over hubiera dicho John Lennon.
Este es mi álbum favorito de la banda más importante en mi vida, de la banda a la que le debo todo, y aunque los conocí por Nevermind, a In Utero le tengo más cariño, desde el choque de baquetas en Serve The Servants hasta su lista de agradecimientos, donde Kurt demuestra el cariño y respeto que tiene a personajes como William Burroughs, John Peel y Quentin Tarantino. Toda mi juventud lo tuve en cassette (pirata), fue hasta que después de una operación, por la que pase varios días internado en el hospital, una de mis tías me lo obsequio en cd, podía pasar horas viendo -y oliendo- el booklet, mientras lo escuchaba una y otra vez, exactamente como lo hice esta semana, para poder escribir esto...
Anton Corbijn dirige el video, esta es la nueva versión que contiene escenas nunca mostradas:
La reseña que le escribió el mítico David Fricke hace veinte años, que contiene una de las líneas más chidas que he leído sobre el disco: In Utero is a lot of things — brilliant, corrosive, enraged and
thoughtful, most of them all at once. But more than anything, it's a
triumph of the will. InUteroRollingStoneReview
Si buscas este disco en la Wikipedia, las primeras líneas dicen: is the fifth studio album by Brazilian thash metal band Sepultura., aunque para este entonces la banda ya no tenía nada que ver con dicho género musical. Hace veinte años salió este álbum, hace veinte años Sepultura se despidió para siempre de la velocidad demencial a la que nos tenían acostumbrados.
El cambio no fue fácil, si bien con Arise (1991), ya nos habían dado ciertos indicios, no imaginábamos lo que nos deparaba Chaos A.D. Sin temor a equivocarme este disco es su 'Black Album', los brasileños decidieron hacer un par de ajustes a su sonido -para llegar a un mayor número de gente- y lo consiguieron. La cantidad de ritmos y géneros incrustados en este álbum es innumerable.
Abandonaron la velocidad, cambios de ritmo y solos imposibles, y los cambiaron por pesadez guitarrera, líneas de bajo hipnotizantes y percusiones sorprendentes, esto en gran parte gracias al productor del disco: Andy Wallace, siempre se los he dicho, los tambores mejor grabados del mundo, los ha grabado Wallace. Otra caracteristica es la duración de las canciones, ninguna supera los cinco minutos, mención aparte merece la temática de los temas (nada que ver con temas-cliché dentro del metal). Aquí Max decidió quitarle dos cuerdas a su guitarra, y hasta la fecha, en todos sus proyectos toca de esta forma.
Chaos A.D. fue grabado por la clásica y mejor alineación que ha tenido la banda: Max Cavalera: vocales y guitarra; Igor Cavalera: tambores; Paulo Jr: bajo y Andreas Kisser: guitarra. La portada es una obra de Michael Whelan, de nombre Cacophony. Se dice que dentro de las opciones para producir el disco se encontraban Al Jourgensen y John Zorn, a mi parecer fue atinado dejarle el trabajo a Wallace pues las baterías suenan como nunca antes, ya habían trabajado con él en Arise (les hizo la mezcla).
El disco abre con uno de sus grandes hits y hoy en día, uno de sus grandes clásicos: Refuse/Resist, el intro es el sonido del corazón del hijo de Max -Zyon- en el útero de su madre, las percusiones que nos remiten a la samba es lo primero que salta al oído, a huevo pus son brasileños ¿o no?, el título y letra de la canción nos dejan claro de que va el ábum, en ese aspecto es más punk hardcore que metal; Territory es simplemente apabullante, y los coros -dedicados a Palestina e Israel- lo dicen todo: war for territory; Slave New World fue co-escrita con Evan Seinfeld (Biohazard) y nos deja listos para una bomba: Amen, acá la batería y el bajo son los protagonistas, Paulo nos entrega una bassline para la prosperidad, el puente con coros árabes es impresionante, jamás antes usado por una banda de metal. Si Amen te sorprendía por el coro a mitad de la canción, Kaiowas en verdad no tiene precedente en la historia del rock duro, una melodía instrumental de guitarras y percusiones, era y es algo demasiado arriesgado para una banda de thrash, en vivo es una maravilla; en el booklet del disco dice: This song is inspired by a Brasilian Indian tribe called 'Kaiowas', who live in the rain forest. They committed mass suicide as a protest against the government, who was trying to take away their land and beliefs. Propaganda nos deja embrutecidos por el doble bombo, las guitarras y su línea de bajo al final; Biotech Is Godzilla rompe con la densidad y pesadez del momento, es una canción de verdadero hardcore (Jello Biafra incluido), la letra va sobre los peligros de jugar con la biotecnología, 'el gobierno y sus cientificos crearon el SIDA', nos grita el Max; Nomad, es -como el mismo Andreas lo dice- la respuesta a Sad But True de Metallica por sus riffs lentos, y entonces aquí el mismo Kisser me da la razón, para ellos Chaos A.D también simboliza su Black Album; We Who Are Not as Others, tiene uno de los mejores intros que vas a escuchar en tu vida; Manifest, habla sobre la matanza en Carandiru, la cárcel más grande de Sudamérica. The Hunt es un cover a New Model Army; Clenched Fist te enseña el sonido que copiarían hasta el cansancio las bandas de new metal en el futuro, y se liga a un 'track oculto' llamado Chaos B.C., que no es más que una serie de gritos por parte de los integrantes del grupo.
El álbum cuenta con un sonido tan bueno, que en relidad no necesita una remasterización. Para muchos este fue su primer disco de rock pesado y hoy a veinte años, sigue sonando impresionante.
Hace treinta años salió el debut de Metallica, publicado por Megaforce Records, cientos ya habían oído hablar de la banda, y aún así, nadie podía vaticinar que ésta, para bien o para mal, se convertiría en la banda de metal más grande de la historia...
En 1982, Metallica, en ese entonces conformado por: James Hetfield (guitarra y voz); Dave Mustaine (guitarra); Ron McGovney (bajo) y Lars Ulrich (batería), grabó el demo: No Life 'Til Leather, en éste venían siete de las diez canciones que conformarían Kill 'Em All.
Para principios del '83 McGovney, ya había sido sustituido por la leyenda Cliff Burton (Trauma), y poco después Mustaine sería echado de la banda, Kirk Hammett (Exodus) sería el encargado de tomar su lugar. Con estos cambios teníamos a la mejor y más respetable alineación que ha tenido Metallica en sus treinta y dos años de vida, y entre el 10 y el 27 de mayo, grabaron su álbum debut. Kill 'Em... tiene dos grandes caracteristicas: la velocidad demencial y los cambios de ritmo.
Originalmente iba a llamarse: Metal Up Your Ass, pero por problemas e incomodidad con sus nuevos asociados no se les permitió usar ese nombre ni la portada pensada para él, entonces el nuevo título: 'Mátalos a Todos', aparte de ser un gran nombre para un disco de metal, es una inderecta para esos directivos mochos que no permitieron la salida del Metal Up Your Ass. (Existe un Live Metal Up Yor Ass, grabado el 29 de noviembre del '82, en ese concierto la banda de apoyo fue Exodus, ahí fue donde se conocieron James, Lars y Kirk).
Hoy nos cuesta trabajo entender la magnitud de esta obra pero en ese entonces Metallica significó toda una revolución para el metal estadounidense, el género fue inventado en Inglaterra con el nacimiento de los 70's, y no fue hasta 1983 que éste por fin pudo salir de esa zona geográfica. Metallica fue un producto redondo desde el principio, un nombre pegajoso, chingón e ingenioso, un logo memorable, la brutalidad de sus conciertos, la cantidad estúpida de alcohol que eran capaces de ingerir, y su abstinencia y negación a grabar videos musicales, ayudaron a erigir el mito.
Hay que ser honestos, soy muy fan de 'este' Metallica, pero ya sea por falta de experiencia o de tiempo, la voz de Hetfield suena débil en todo el álbum, sus doblajes de voz y ese horrible y ridículo efecto de eco no le ayudan en lo más mínimo, dichos efectos fueron propuestos por su productor Jon Zazula, precisamente para levantar la voz de James, pues Zazula se dio cuenta de que la voz no alcanzaba a cubrir la brutalidad de sus composiciones, claro, a comparación de sus demos, su voz aquí, suena impresionante.
No hay mejor forma de iniciar el álbum -al que se le atribuye la invención del thrash- que con Hit The Lights: fue la primer canción de Metallica en salir al mundo, apareció en la compilación Metal Massacre vol. 1, con un pequeño error de impresión, aparecian como: Mettallica, ésta inicia con una especie de calentamiento por parte de los integrantes, guitarras, bajo y batería se funden en un noise que da pie a un riff memorable; le sigue The Four Horsemen: con su riff que realmente te remite a jinetes cabalgando, el resto, te lo explico mejor por aquí: The Four Horsemen; Motorbreath: es un thrash duro y filoso que va directo a la cabeza, riffs que suenan a motor de camioneta vieja, y con sus tres minutos, ocho segundos, es la canción más corta del disco; a mi parecer Jump In The Fire, nos muestra el primer intento comercial de la banda, sí, ya sé, ya sé, muchos de los 'nuevos' se quejan de que Metallica es muy comercial, que va en decadencia, que desde el Black Album, bla, bla, bla, y St. Anger, bla, bla, bla, pero si se ponen a analizar a la banda, tal y como se los dije allá arriba: 'Metallica fue un producto redondo desde el principio', desde siempre tuvieron bien fijos sus objetivos, desde que eligieron adoptar (o robar) su nombre de batalla, sabían bien cual era su destino, y este track me da la razón, Jump In... es el primer inetento de la banda por pegar en las grandes ligas, fue el segundo sencillo que salió del disco e inspirado en Run To The Hills de sus ídolos Iron Maiden; (Anesthesia) Pulling Teeth: es un corte instrumental, basada en un riff de bajo, escrito por Cliff Burton, si aún no acabas de entender todas las maravillas que se hablan sobre Cliff, escucha ésta a todo volumen, Burton nos deja ver su grandeza para armar melodías complejas, (Anesthesia)... es la primer canción del Kill 'Em All que jamás se había grabado y es la que inicia esa tradición de grabar cortes instrumentales en sus álbumes posteriores, hoy la banda está tan desesperada por recuperar su credibilidad que en su disco más reciente, Death Magnetic, grabó una pieza instrumental, en fin, (Anesthesia)... con sus feedbacks del final, nos deja calientes para la bomba que se nos viene encima; Whiplash: ésta salió como primer single, y puede ser la culpable de haber inventado el thrash tal y como lo conocemos, ufff, ¿cómo hablarles de una canción tan importante y grandiosa en un pequeño párrafo? Los riffs asesinos de esta pieza pueden ser los mejores que ha hecho James en toda su carrera, la letra es tan sencilla y cabrona que hasta me robé una de sus frases para mi sección de conciertos: Adrenaline starts to flow..., el solo y la batería son increíbles también, con esta canción Metallica impuso un nuevo estándar de velocidad para la cultura popular, si bien ya existía el hardcore, Venom y la NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal), nada se comparaba a esto, Acting like a maniac dice el coro; Phantom Lord y No Remorse son dos canciones de rock preciso, con un par de cambios de ritmo que nos dejan claro que esta banda no sólo podía tocar más rápido que cualquiera, sino que al mismo tiempo, podía armar canciones complejas, y nos dejan listos para disfrutar de la primer canción de estadio compuesta por James y Lars; Seek & Destroy: bautizada como She Can Destroy por un reportero inglés que la escuchó en vivo mucho antes de ser grabada, el coro de ésta es perfecto para ser cantado por miles de personas al unísono, y la melodía se presta para ser alargada hasta por media hora (ya lo han y siguen haciendo), casi al final trae un cambio que te puede enloquecer, luego retoma su camino inicial y te prepara para el último escupitajo del disco, y éste va directo a tu cara; Metal Militia: contiene los riffs más cortantes y filosos de todo el álbum, supera incluso los de Motorbreath y Whiplash, junto a The Four Horsemen, Phantom Lord y Jump In the Fire, es una de las rolas coescirtas por Mustaine, la velocidad y violencia de esta pista es insuperable, incluso casi al final Burton nos muestra -otra vez- su maestría en el bajo, termina con un sonido de gente marchando, de la Milicia del Metal marchando, no pudieron cerrar de mejor manera un disco que se hace llamar: 'Mátalos a Todos'.
El álbum cuenta con una innumerable parafernalia, que va desde reediciones remasterizadas, hasta sus propios tennis Vans, pasando por cientos de discos tributos, parodias, etc., etc. Hoy la banda ha defraudado a miles de sus fans, pero a cambio de eso, son la banda de metal más grande de la historia.
Sin duda alguna éste disco es mi favorito de toda la primer camada de discos thrash, y a treinta años de su publicación sus riffs siguen sonando frescos, rompe-madres y siguen inspirando a miles de grupos, basta escuchar el nuevo álbum de Suicidal Tendencies para darse cuenta de ello.
Cuando escuchen este disco, antes de 'ladrar' idioteces, pónganse a pensar en el momento en que salió y que los miembros de la banda, tenían entre 18 y 21 años cuando las canciones fueron
compuestas.
(Anesthesia) Pulling Teeth + Whiplash (19 de marzo de 1983).
Esta maravilla dura 51 minutos, ésta es la reedición del '88, con Am I Evil? y Blitzkrieg como bonus tracks...
Tras seis años de espera, el sexto disco de Las Reinas De La Edad De Piedra llegó a las tiendas hace un par de días. Seis años en los que hemos visto a Josh Homme pelearse con sus antigüos compañeros de Kyuss, grabar con Nick Oliveri y John Garcia para Mondo Generator, aparecer con su banda en infinidad de festivales como headliners e incluso hacer un cameo para el video de Freedom at 21 de Jack White. ¿Y todo esto para qué? para que los Queens Of The Stone Age regresarán con el que probablemente sea el mejor disco, no sólo del verano, sino de todo el 2013.
Joshua no es ningún novato, cuando vio la reacción del público y la prensa sobre Era Vulgaris supó que no tenía que volver a cometer los mismo errores que cometió en éste, así que el primer paso fue tomarse un tiempo para componer -6 años nomás- y estructurar: ... Like Clockwork, lo segundo fue asegurarse de entregar un trabajo redondo, ¿cómo? pues rodeándose de un equipo de trabajo de primer nivel. La alineación que grabó el disco fue: Josh Homme (guitarra y voz), Troy Van Leeuwen (guitarra), Dean Fertita (teclados) y Michael Shuman (bajo). La lista de colaboradores es extensa: Dave Grohl (Foo Fighters), Joey Castillo (Danzig), Jon Theodore (The Mars Volta), Nick Oliveri (Kyuss), Mark Lanegan (Screaming Trees), Alex Turner (Arctic Monkeys), Trent Reznor (Nine Inch Nails), Jake Shears (Scissor Sisters), Elton John y James Lavelle (UNKLE); la producción corrió a cargo del Josh, el arte por Boneface y las animaciones de los videos promocionales por Liam Brazier.
Mención aparte se merece la publicidad que envolvió al disco, desde que entraron al estudio (a finales del 2012) y hasta que llegó a las tiendas, la banda lanzó una serie de imágenes a través de sus cuantas de Facebook y Twitter, las cartas que le enviaron a Kerrang!, Mojo, Uncut, NME, y por supuesto su impresionante nuevo logo.
...Like Clockwork está pensado y estructurado como disco conceptual, no tiene espacio entre canciones, sólo un par de interludios instrumentales, es un álbum oscuro, abre con Keep Your Eyes Peeled: que comienza con sonidos de botellas rotas para de repente soltar un riff impresionante, y contiene un final muy bello: un cello interpretando la melodía vocal; I Sat by the Ocean: tiene un slide perfecto y pegajoso, siempre he creido que los riffs perfectos son todo aquel que puede ser tarareado y silbado sin complicación alguna, ésta está destinada a convertirse en uno de sus grandes éxitos de estadio, como No One Knows; The Vampyre of Time and Memory: pone las cosas en calma con su ritmo blues sobrío y oscuro, y entonces -otra vez- la genialidad y facilidad para hacer canciones memorables de Homme, salta al oído: If I Had a Tail y My God Is the Sun son dos canciones cabronas de principio a fin, My God... tiene un riff rompe-madres que se asoma entre un par de maracas, en las dos es obvio quién está detrás de los tambores (Grohl), la línea de bajo también es espectacular; Kalopsia anuncia la segunda parte del disco, una semi-balada sombría en donde se palpa la mano de Reznor en todo momento, el solo de teclado y piano es en verdad hermoso; Fairweather Friends y Smooth Sailing son las peores del disco, la primera es una cancioncilla pop donde la voz de Josh se escucha demasiado suave y fastidiosa, nos
recuerda a toda esa música grandilocuente y pomposa de los setenta, como la de
Queen y la del colaborador con quien fue grabada: Elton John, la segunda trae un riff funky cortado que a momentos parece que va a desatar un infierno pero nunca lo hace, el sonido inmediatamente nos remite al inconsistente Era Vulgaris, y aunque contiene un excelente solo éste no la alcanza a salvar, seguramente en tres años nadie recordará este par de canciones, ni siquiera el mismo Homme; en total contraste I Appear Missing - otra vez con un slide pegajoso y sorprendente- está destinada a convertirse poco a poco en una de las grandes composiciones de Josh, la voz, el bassline, la batería, todo es impecable en ella, el final de ésta es como un climáx de ópera rock; ...Like Clockwork cierra el disco de una forma solemne, con un piano, unas guitarras y un Josh triste, inmediatamente después no te queda otra, más que volverle a dar play al álbum.
En los últimos días Homme ha anunciado la intención de grabar y sacar otro disco este mismo año, habría que ver si sus compromisos se lo permiten.
Este corto -que contiene fragmentos de algunas canciones- me voló la cabeza...
